Prochaine session : du 2 au 16 novembre 2026
Directeur artistique - clarifier, porter et fédérer un projet scénique
Une formation-résidence pour les artistes qui portent un projet et doivent le tenir de bout en bout : définir une ligne esthétique, la traduire en choix concrets de scène et d’image, et la faire tenir devant une équipe. Ici, on ne parle pas de direction artistique en salle de cours : on la met en plateau, et elle se termine par un concert.
Délai d’accès : dossier de financement à déposer au moins 1 mois avant le début de la session.
Une formation-résidence à la direction artistique
DIGIMONDE propose un parcours immersif consacré à la direction artistique du spectacle vivant. La formation réunit travail d’identité, choix esthétiques, scénographie, image, arrangement pour le live, présence scénique, collaboration d’équipe et mise en plateau. Elle se conclut par un concert de restitution, préparé et dirigé par les participants.
Les participants repartent avec une direction artistique formulée, tenable et défendable : savoir dire ce que leur projet est et ce qu’il n’est pas, faire des choix cohérents de scène, de son et d’image, tenir ces choix face à des collaborateurs, et présenter le résultat devant un public.
Cette formation s’adresse aux musiciens, chanteurs, danseurs, comédiens, metteurs en scène et techniciens du spectacle qui portent un projet en cours de développement et cherchent à le structurer (intermittents, salariés, indépendants ou demandeurs d’emploi).
Ce que les participants vont apprendre
- Formuler une identité artistique : influences assumées, parti pris esthétique, ce que le projet raconte.
- Traduire cette identité en choix concrets : répertoire, arrangements, lumière, espace, costume, image.
- Construire un univers visuel cohérent avec le propos musical et le porter dans la communication du projet.
- Travailler l’occupation de l’espace scénique, le corps, l’adresse au public et la dramaturgie du set.
- Adapter les arrangements aux contraintes du live : format, effectif, dynamique, transitions, montée du set.
- Diriger une équipe artistique et technique : donner une intention, arbitrer, tenir un cadre de travail.
- Préparer et présenter un projet abouti en conditions réelles, jusqu’au concert de restitution.
Compétences visées
- Définir et formaliser une direction artistique cohérente à partir d’un projet en développement.
- Élaborer un projet scénique complet en articulant identité musicale, espace, image et mise en scène.
- Mobiliser les codes de la scénographie et de la mise en scène au service d’un propos artistique.
- Conduire une collaboration artistique et technique en situation de direction.
- Présenter et défendre un projet scénique devant un public et des professionnels.
Programme de la formation
Partie 1 : 1 heure 30 minutes
- Qu’est-ce que la direction artistique ? (45 minutes)
- Définition et éléments clés de la direction artistique (15 minutes)
- L’importance de la direction artistique dans la musique (15 minutes)
- Discussion en groupe : Comment voyez-vous la direction artistique ? (15 minutes)
Partie 2 : 2 heures
- Approches et tendances de la direction artistique (1 heure)
- Présentation interactive sur les tendances actuelles (30 minutes)
- Atelier : Identifier votre propre style et influences artistiques (30 minutes)
- Pause de 15 minutes
Partie 3 : 1 heure 30 minutes
- Études de cas (45 minutes)
- Présentation multimédia de cas célèbres (20 minutes)
- Discussion en petits groupes : Analyse des études de cas (25 minutes)
Partie 4 : 2 heures 30 minutes
- Présentation et partage des projets (1 heure 15 minutes)
- Préparation individuelle de la présentation du projet (15 minutes)
- Présentations des participants (1 minute par participant, environ 30 minutes au total)
- Retour et discussion collective (30 minutes)
Partie 1 : Exploration des Influences, 1 heure
- Introduction à l’identité artistique et son importance (15 minutes)
- Exercice d’auto-réflexion : Identifier vos influences musicales, esthétiques et stylistiques (15 minutes)
- Atelier de groupe : Partager et discuter des influences (30 minutes)
Partie 2 : Techniques de Positionnement et Définition Artistiques, 1 heure
- Présentation des stratégies de positionnement artistique (20 minutes)
- Atelier pratique : Écrire une déclaration d’intention artistique (40 minutes)
Partie 3 : Création d’un Moodboard, 1 heure
- Introduction au moodboard : pourquoi et comment ? (15 minutes)
- Atelier de création : Moodboard visuel (30 minutes)
- Atelier de création : Moodboard sonore (15 minutes)
Jour 2, Composition et Écriture (3 heures)
Partie 1 : Principes de la Composition et de l’Écriture (1 heure)
- Introduction aux choix de composition (20 minutes)
- Techniques d’écriture de mélodies et de paroles (20 minutes)
- Brainstorming créatif pour le développement de concepts musicaux (20 minutes)
Partie 2 : Atelier Pratique, Composer et Écrire (2 heures)
- Atelier de composition : Création de mélodies et thèmes musicaux (1 heure)
- Atelier d’écriture : Rédaction de paroles en rapport avec la direction artistique (1 heure)
Jour 3, Arrangement et Production (3 heures)
Partie 1 : Fondements des Arrangements Musicaux (1 heure)
- Les bases des arrangements : sonorités et textures (20 minutes)
- Exploration des techniques d’arrangement contemporain (20 minutes)
- Discussion : Comment les arrangements soutiennent la direction artistique (20 minutes)
Partie 2 : Atelier Pratique, Arranger et Produire (2 heures)
- Atelier d’arrangement : Expérimentation avec différentes sonorités (1 heure)
- Atelier de production : Enregistrement de démos et mise en forme des idées (1 heure)
Partie 1 : L’Importance de l’Image dans l’Industrie Musicale (1 heure)
- Présentation : Pourquoi l’image compte autant que la musique ? (15 minutes)
- Étude de cas : Artistes qui utilisent efficacement leur image (20 minutes)
- Discussion en groupe : Comment votre image reflète-t-elle votre identité artistique ? (25 minutes)
Partie 2 : Outils de Création Visuelle et Stratégies (1 heure)
- Atelier : Introduction aux outils de création visuelle (logiciels de graphisme, photographie, vidéo) (20 minutes)
- Travail de groupe : Élaboration d’une stratégie de contenu visuel pour votre projet (40 minutes)
- Pause de 15 minutes
Partie 3 : Création de Contenu Visuel (1 heure 45 minutes)
- Exercice pratique : Création de visuels pour un single/album (45 minutes)
- Atelier : Techniques de prise de vue et édition pour les réseaux sociaux et le marketing (30 minutes)
- Présentation et feedback sur les créations des participants (30 minutes)
Partie 1 : Introduction à la Collaboration Artistique (1 heure)
- Présentation : Qu’est-ce que la collaboration artistique et pourquoi est-elle importante ? (20 minutes)
- Témoignages vidéo : Partages d’expériences de collaborations réussies (15 minutes)
- Discussion en groupe : Réflexions sur les expériences personnelles de collaboration (25 minutes)
Partie 2 : Atelier de Collaboration (2 heures)
- Atelier de mise en situation : Matchmaking entre artistes et coachs (arrangeurs, producteurs, réalisateurs) (30 minutes)
- Travail collaboratif : Arrangement d’un titre avec les coachs (1 heure 15 minutes)
- Présentation des travaux et discussion des défis rencontrés (15 minutes)
Partie 3 : Maintenir une Vision Artistique en Collaboration (1 heure)
- Atelier interactif : Stratégies pour maintenir la vision artistique en collaboration (30 minutes)
- Jeu de rôle : Négociation et communication efficace pour la vision artistique (30 minutes)
- Feuilles de route et guides pour la collaboration artistique.
Partie 1 : Préparation du Brief et du Showcase (2 heures)
- Introduction à la session de restitution (15 minutes)
- Préparation individuelle du brief de chaque projet artistique (45 minutes)
- Répétition et soundcheck pour le showcase (1 heure)
Partie 2 : Présentation des Briefs de Projets (1 heure)
- Présentation du brief par chaque artiste (3 minutes par artiste)
- Questions et discussions après chaque brief (2 minutes par artiste)
Partie 3 : Showcases des Artistes (2 heures)
- Showcase de deux titres par artiste (10 minutes par artiste)
- Retours immédiats et constructifs après chaque performance (5 minutes par artiste)
Partie 4 : Débriefing et Perspectives (1 heure)
- Session de débriefing collectif (30 minutes)
- Identification des pistes de travail pour la suite (30 minutes)
Partie 1 : Partage des Envies Scéniques et Besoins Techniques (1 heure)
- Session de partage : Chaque artiste exprime ses aspirations scéniques et ses besoins techniques (30 minutes)
- Écoute collective de 4 titres réarrangés pour la scène et discussion (30 minutes)
Partie 2 : Atelier d’Arrangement (2 heures 30 minutes)
- Atelier d’introduction aux techniques d’arrangement pour le live (30 minutes)
- Session de travail individuel sur les arrangements des artistes avec assistance (1 heure 30 minutes)
- Présentation des arrangements en cours et feedback de groupe (30 minutes)
Partie 3 : Créativité, Identité et Technique (1 heure 30 minutes)
- Discussion interactive : Comment préserver la créativité et l’identité artistique face aux contraintes techniques (30 minutes)
- Atelier pratique : Ajustements en temps réel et résolution de problèmes (1 heure)
Partie 1 : Conscience de l’Espace Scénique (2 heures)
- Présentation théorique : Introduction à l’utilisation de l’espace scénique (30 minutes)
- Atelier pratique : Expérimentation avec l’espace et le positionnement (45 minutes)
- Exercices en duo : Interaction et réaction à l’espace partagé (45 minutes)
Partie 2 : Développement de la Conscience Corporelle (2 heures)
- Atelier de mouvement : Techniques de base de la conscience corporelle (30 minutes)
- Exercices individuels : Exploration de l’espace à travers le mouvement (1 heure)
- Pratique de groupe : Créer des tableaux vivants en utilisant l’espace et le corps (30 minutes)
Partie 3 : Techniques de Mouvement et Performance (2 heures)
- Séminaire : Techniques de mouvement pour la performance scénique (30 minutes)
- Atelier de danse et mouvement : Application des techniques à la musique (1 heure)
- Mise en pratique : Répétitions et ajustements de la performance (30 minutes)
Partie 1 : Structure Narrative et Progression Émotionnelle (2 heures)
- Atelier théorique : Principes de la dramaturgie dans la performance live (30 minutes)
- Exercice pratique : Planifier la progression d’une setlist pour un impact émotionnel maximal (1 heure)
- Analyse de cas : Démonstration de structures narratives efficaces (30 minutes)
Partie 2 : Interprétation et Connexion Émotionnelle (2 heures)
- Masterclass : Techniques d’interprétation pour le live (30 minutes)
- Atelier individuel : Travailler l’interprétation d’une chanson (1 heure)
- Exercices de groupe : Échange et feedback sur les techniques d’interprétation (30 minutes)
Partie 3 : Interaction avec le Public (2 heures)
- Séminaire interactif : Créer une interaction authentique avec le public (30 minutes)
- Simulations de performance : Appliquer les techniques d’interaction en live (1 heure)
- Débriefing : Partage des expériences et feedback collectif (30 minutes)
Partie 1 : Compréhension des Aspects Techniques (2 heures)
- Séminaire : Introduction aux aspects techniques d’une performance (son, lumière, plateau) (30 minutes)
- Atelier interactif : Découverte des équipements techniques et terminologie (45 minutes)
- Exercices pratiques : Scénarios d’intégration technique dans une performance (45 minutes)
Partie 2 : Scénographie et Décor (2 heures)
- Présentation : Principes de scénographie et d’impact visuel (30 minutes)
- Atelier de conception : Créer un concept de décor qui complète l’identité artistique (1 heure)
- Étude de cas : Analyse de scénographies réussies (30 minutes)
Partie 3 : Communication et Maîtrise des Éléments Techniques (2 heures)
- Session de formation : Comment communiquer efficacement avec une équipe technique (30 minutes)
- Jeu de rôle : Simulations de communication avec les techniciens du son, de la lumière et de la scène (1 heure)
- Roundtable : Discussion sur la maîtrise technique et l’autonomie artistique (30 minutes)
Partie 1 : Coaching Individuel sur l’Interprétation et la Performance (Jour 8 à 4 heures)
- Sessions individuelles de coaching sur l’interprétation et l’expression scénique (30 minutes par artiste)
- Atelier technique : Utilisation du plateau et mobilité scénique (2 heures pour le groupe)
- Travail individuel sur la force du message et l’authenticité avec feedback (1 heure 30 minutes pour le groupe)
Partie 2 : Techniques et Éclairage (Jour 8 à 2 heures + Jour 9 à 4 heures)
- Atelier sur l’éclairage : Principes de base et création d’ambiances (Jour 8 à 2 heures)
- Coaching individuel sur les éléments techniques spécifiques à chaque performance (Jour 9 à 3 heures)
- Répétition générale avec tous les aspects techniques en place (Jour 9 à 1 heure)
Partie 3 : Crash Test Scénique (Jour 9 à 2 heures)
- Mise en situation : Performance devant un petit public ou des pairs pour un crash test réel (1 heure)
- Feedback constructif : Discussion et évaluation pour chaque performance (1 heure)
Partie 1 : Préparation des Performances Finales (4 heures)
- Répétitions individuelles avec feedback des formateurs (15 minutes par artiste)
- Répétitions collectives pour le concert de restitution (2 heures pour le groupe)
- Discussions de groupe : Réflexion sur la progression pendant la formation (1 heure)
Partie 2 : Présentations Finales Devant le Groupe (3 heures)
- Performances finales des participants (15 minutes par artiste)
- Session de retours immédiats après chaque performance (15 minutes par artiste)
Partie 3 : Préparation du Concert de Restitution (3 heures)
- Organisation et logistique du concert : mise en place, sonorisation, éclairage (1 heure)
- Répétition générale avec tous les participants (2 heures)
Partie 4 : Concert de Restitution (Durée variable selon le nombre de participants)
- Accueil du public et introduction du concert (30 minutes)
- Concert de restitution : Performances des participants (durée selon le nombre de participants)
- Débriefing final et célébration de la clôture de la formation (après le concert)
Lieux de formation
La formation se déroule en présentiel, dans des lieux équipés, selon la session : le Studio La Tour au Château de Monteton (Lot-et-Garonne), La Tannerie à Agen et Le TAC en région parisienne.
Studio La Tour
Château de Monteton
- Studio La Tour, Château de Monteton
- 47120 Monteton, Lot-et-Garonne
- Résidence complète : plateau, studio et hébergement sur place
- Ateliers, coaching individuel, mise en plateau et concert de restitution
La Tannerie
Agen
- La Tannerie
- Agen, Lot-et-Garonne
- Ateliers, coaching individuel et mise en plateau
Le TAC
Territoire Art & Création
- Le TAC, Territoire Art & Création
- Région parisienne (Hauts-de-Seine)
- Studio de répétition, salle polyvalente, studio photo et vidéo, résidence d'artistes
Les intervenants
Mathieu GRENIER
Direction artistique, mise en scène et coaching individuel
Performer, chorégraphe, musicien et réalisateur, Mathieu Grenier est directeur artistique et pédagogique de LA MADE, maison de création pluridisciplinaire. Il a étudié la musique, la danse et le théâtre au Conservatoire à rayonnement régional de Bordeaux et obtenu un master en recherche et chorégraphie au Centre Chorégraphique National de Montpellier : Mathilde Monnier.
Sa recherche porte sur la notion de lien : social, intergénérationnel, interdisciplinaire. Il dispense des master classes au CCN de Tours, au CCN de Montpellier et au Théâtre de la Croix-Rousse de Lyon, et intervient comme formateur de formateurs au CRR de Bordeaux.
Vincent CLÉMENT
Coaching scénique et expression scénique
Guitariste depuis l’âge de 13 ans, intermittent du spectacle depuis 2007, Vincent Clément a enregistré plus de 12 albums et donné plus de 1 300 concerts dans 15 pays sur 3 continents. Il est aussi chargé de diffusion pour plusieurs labels et structures, et régisseur général de festivals.
Parrainé par le coach « Gambeta » (bassiste de Manu Chao et de la Mano Negra), il enseigne depuis 2005 en école de musique, en MJC et auprès de particuliers, et intervient sur l’expression scénique, du niveau débutant au niveau avancé.
Franco MANNARA
Voix, écriture et coaching scénique
Professeur de chant en musiques actuelles depuis 2000, coach vocal et formateur MAO sur Ableton Live, Franco Mannara participe depuis 2011 à la formation de formateurs en coaching scénique au Studio des Variétés. Titulaire du DE, il intervient à l’Atla, au RIF, dans plusieurs Adda et au CFMI d’Orsay.
Auteur, compositeur et interprète, fondateur du Spoke Orkestra, il se produit dans toute la France avec différents projets et publie également des romans chez Calmann-Lévy.
Julien GENDRON
Travail de la voix
Formé au classique puis aux musiques actuelles et au jazz, diplômé de l’école ATLA à Paris et de la Fédération nationale des écoles d’influence jazz et musiques actuelles, Julien Gendron concentre son activité sur la voix sous toutes ses formes : cours et coachings pour particuliers, professionnels, enseignants, orateurs et comédiens, seuls ou en troupe.
Il explore l’ostéopathie vocale puis le modèle Estill, dont il obtient l’EMT, et travaille à son développement en France.
Raphaël OTCHAKOWSKY
Interprétation et mise en scène
Musicien, comédien et pédagogue, Raphaël Otchakowsky développe depuis 2011 un travail de création et de transmission mêlant rap, beatbox, chant lyrique, loopstation, MAO et percussions. Formé au théâtre et aux musiques actuelles, il crée des ponts entre les disciplines et accompagne les artistes dans leur démarche scénique.
Formateur au Centre Georges-Pompidou, au CNSMDP, à La Villette et à l’Opéra de Massy, il intervient aussi pour le Paris Mozart Orchestra, le RIF et le CFMI d’Orsay. Il anime des ateliers d’écriture, d’interprétation et de mise en scène auprès de publics variés.
Isabelle ZANOTTI
Voix et jeu d’acteur
Diplômée du Studio des Variétés de Paris, violoncelliste de formation (CNR d’Angers) et lauréate de la Classe Libre des Cours Florent, Isabelle Zanotti est coach vocale au Studio des Variétés, où elle a accompagné Émilie Loizeau, Mélanie Laurent, Victoria Bedos, Rose ou Cocoon.
Elle travaille également pour le cinéma et la comédie musicale, et mène ses propres spectacles musicaux avec la compagnie Zabelle.
Laurie BATISTA
Interprétation et création pluridisciplinaire
Chanteuse, auteure-compositrice, multi-instrumentiste et comédienne, diplômée du Conservatoire de Toulouse et du PESMD Nouvelle-Aquitaine en spécialité jazz, Laurie Batista a affiné sa technique auprès de Médéric Collignon, Sarah Lazarus, Anne Ducros ou David Linx.
Depuis 2011, elle se consacre à la création musicale hybride, mêlant improvisation, écriture instantanée et mise en scène. Elle enseigne depuis plus de 15 ans et intervient aujourd’hui au Conservatoire d’Agen et à la MADE.
Simon RUBIO
Régie son et sonorisation
Régisseur son spécialisé dans la sonorisation de concerts et de spectacles vivants, Simon Rubio cumule plus de dix ans d’expérience. Depuis 2013, il assure la régie son FOH/MON pour des artistes comme Mouss et Hakim, Trois Cafés Gourmands, Arcadian, Ninho, Gazo ou Shay, des salles intimistes aux zéniths et festivals.
Il a également occupé des postes de régisseur général, ce qui lui donne une maîtrise complète de la gestion technique d’un spectacle. Sa formation en ingénierie du son a été acquise notamment à l’INA Paris.
Infos clés
- Prochaine session 2026 : du 2 au 16 novembre 2026
- Autres sessions : 7 → 21 décembre 2026 · 5 → 19 janvier 2027 · 1er → 15 février 2027 · 1er → 15 mars 2027 · 5 → 19 avril 2027 · 3 → 17 mai 2027 · 31 mai → 14 juin 2027
- Durée : 15 jours en résidence
- Frais pédagogiques (financement individuel : 2 490 € HT (15 jours en résidence)
- Frais pédagogiques) financement professionnel : 5 000 € net de taxe (AFDAS, OPCO, AGEFICE, employeur)
- Forfait séjour : hébergement, restauration et transport font l’objet d’un devis séparé du contrat de formation. Montants, prise en charge AFDAS et reste à charge sur la page Financement
- Public : musiciens, chanteurs, danseurs, comédiens, metteurs en scène et techniciens du spectacle (intermittents, salariés, indépendants ou demandeurs d’emploi)
- Prérequis : un projet artistique en cours de développement, un répertoire original ou en création, autonomie technique sur l’instrument ou en MAO
- Modalités : présentiel, en résidence · 12 modules · concert de restitution
- Délai d’accès : dossier de financement à déposer au moins 1 mois avant le début de la session
- Financements : AFDAS, AGEFICE, OPCO, France Travail selon situation
Nos indicateurs de résultats
112 apprenants formés sur les douze derniers mois · satisfaction moyenne 9,3/10 sur les sessions 2026 (9,4/10 toutes sessions confondues) · source : questionnaires à chaud et à froid, Digiforma, août 2026. La formation donne lieu à une attestation de fin de formation ; elle ne conduit pas à une certification.
Prêt à rejoindre la formation ?
Programme détaillé, date et prise en charge AFDAS disponibles sur demande.
Oui, une demande de prise en charge peut être déposée selon votre statut, vos droits disponibles, les critères d’éligibilité en vigueur et les délais d’instruction. DIGIMONDE accompagne les participants dans la constitution du dossier, sans pouvoir garantir la décision finale du financeur. En savoir plus sur les financements.
Aux musiciens, chanteurs, danseurs, comédiens, metteurs en scène et techniciens du spectacle qui portent un projet artistique en cours de développement et souhaitent le structurer (intermittents, salariés, indépendants ou demandeurs d’emploi). Elle est ouverte aux artistes en développement comme aux artistes confirmés.
La formation n’est pas accessible aux débutants. Il faut avoir un projet artistique en cours de développement, disposer d’un répertoire original ou en création, et être autonome techniquement sur son instrument ou en MAO.
Vous nous contactez, nous validons ensemble l’adéquation de votre projet avec la formation, puis nous vous accompagnons dans le montage du dossier de financement. Le dossier doit être déposé au moins 1 mois avant le début de la session. L’inscription est confirmée sous réserve de places disponibles et de validation du financement.
Cela dépend de la formation, du statut du participant et du cadre de financement. Les informations pratiques doivent être confirmées dans le devis, la convention ou le document d’inscription.
Le stagiaire répond à un questionnaire de positionnement et à un QCM avant le début de la formation. Des exercices pratiques sont menés entre chaque chapitre pour expérimenter les nouvelles approches et améliorer le jeu scénique et la qualité de l’interprétation.
En fin de formation, le stagiaire passe le même QCM, remplit un questionnaire sur le transfert des acquis, et reçoit une évaluation du formateur reprenant les compétences transmises sur l’ensemble des modules. Une attestation de formation est remise à l’issue du parcours.
Le stagiaire se munit de son ou ses instruments et d’une tenue confortable adaptée à la pratique de plateau.
Sur place, un plateau d’environ 10 × 8 m permet de réaliser l’ensemble des exercices de travail scénique, avec mise à disposition du backline si nécessaire. Le lieu dispose d’un système de diffusion et de retours, de consoles analogiques et numériques, de périphériques et d’un parc de micros professionnels. Le travail se fait sur bande-son ou sur la musique du participant.
Sont également remis aux stagiaires : les logiciels libres et gratuits utilisés, le plan de déroulement de la formation, un glossaire des notions et des schémas explicatifs, sous forme numérique.
Les personnes en situation de handicap souhaitant suivre cette formation sont invitées à nous contacter directement, afin d’étudier ensemble les possibilités d’adaptation du parcours et des conditions d’accueil.
DIGIMONDE travaille avec le CRFH de Bordeaux (Centre de ressources formation handicap) pour mettre en œuvre les aménagements nécessaires au bon déroulement de la formation.
Contact : contact@digi-monde.fr, 06 82 58 88 07.
Si malgré toute l’attention portée à la qualité de nos prestations nous ne sommes pas parvenus à répondre à vos attentes, vous pouvez nous en faire part par courriel à contact@digi-monde.fr ou par téléphone au 06 82 58 88 07. Nous reprenons contact très rapidement afin de trouver une solution.
Conformément aux articles L.616-1 et R.616-1 du code de la consommation, DIGIMONDE a mis en place un dispositif de médiation de la consommation. L’entité retenue est CNPM (Médiation) Consommation.
En cas de litige, vous pouvez déposer votre réclamation sur cnpm-mediation-consommation.eu ou par voie postale : CNPM (Médiation) Consommation, 23 rue Terrenoire, 42100 Saint-Étienne.